Nobody no llega a Annecy como una película más. Después de romper todos los récords y convertirse en la película de animación china en 2D más taquillera de la historia, la obra de Yu Shui debuta en la Competición Oficial del festival con una relectura de Viaje al Oeste contada desde la mirada de los personajes invisibles. Su director analiza el inesperado fenómeno que ha revolucionado la animación china, la construcción de una identidad artística propia y el reto de llevar una historia profundamente local a un público internacional.
Nobody nació a partir de uno de los episodios de Yao-Chinese Folktales. ¿En qué momento sintió que esa historia merecía convertirse en un largometraje y qué tuvo que transformar para que funcionara en ese formato?
“Cuando el storyboard del cortometraje animado Nobody acababa de tomar forma, decidimos avanzar hacia una adaptación de largometraje porque el storyboard tenía mucho potencial. El cortometraje contaba con personajes vivos y una historia interesante, pero su alcance narrativo era demasiado limitado para sostener una película. Nos enfrentamos a tres opciones: ampliar la historia existente, escribir una secuela o crear una precuela. Al final no elegimos ninguna de ellas; decidimos reescribir la historia por completo. Así, a finales de 2021 comenzamos a escribir el guion del largometraje.”
La película se centra en personajes humildes y aparentemente insignificantes. ¿Por qué le interesaba contar una gran aventura desde el punto de vista de estos ‘nadies’ en lugar de hacerlo desde el de héroes tradicionales?
“Me encanta Sun Wukong, pero también me encantan esos pequeños yao. La inmensa mayoría de las personas son corrientes, incluido yo mismo. Esa es la base de la conexión emocional de la película con el público. Cuando cambias el punto de vista narrativo, cualquier historia merece volver a ser contada. Narrar Viaje al Oeste desde la perspectiva de un pequeño yao sin nombre es algo nuevo. El público busca cosas nuevas y, hoy en día, las historias sobre personas comunes conectan más profundamente con ellos.”
Los diseños de los personajes son muy simples, mientras que los fondos muestran un nivel extraordinario de detalle. ¿Fue una decisión artística consciente crear ese contraste entre simplicidad y riqueza visual?
“Sí. No soy partidario de los diseños excesivamente complejos. Prefiero formas muy depuradas y sintetizadas. Nuestros personajes ni siquiera tienen luces o sombras incorporadas en el diseño. Pero esto implica un riesgo: cuando el público ve la película en una gran pantalla puede sentir que falta información visual. Es un desafío real para la animación 2D. Por eso incorporamos más información en los fondos, adoptando una fusión entre la pintura tradicional china a tinta y estilos pictóricos occidentales.”
La naturaleza casi se convierte en un protagonista más: árboles, viento, lluvia, montañas y nubes parecen estar vivos. ¿Qué importancia tiene el paisaje en la narración y qué referencias artísticas inspiraron este enfoque visual?
“El director artístico comenzó pintando sobre papel de arroz al estilo tradicional chino, buscando la forma adecuada de trasladar esa estética al entorno digital. Personalizamos pinceles específicos para la pintura china y el equipo artístico estudió sistemáticamente las técnicas tradicionales para representar montañas y rocas. La manera china de pintar estos elementos difiere notablemente de la occidental. Esta fusión de enfoques permite que los paisajes tengan una estética distintiva sin perder inmersión. También nos inspiramos en numerosos cortometrajes artísticos producidos por el Estudio de Animación de Shanghái durante el siglo pasado, así como en artistas chinos como Dai Dunbang, Liu Jiyou y Zao Dao. Además, una obra importante para nosotros fue The Illusionist de Sylvain Chomet.”
El humor de Nobody es muy particular, lleno de pequeños gags absurdos y situaciones inesperadas que parecen más cercanas a tradiciones orientales que a la animación occidental. ¿Cómo construye este tipo de comedia y cuáles son sus influencias?
“Quizá tenga que ver con mi personalidad. Me encanta la comedia desde niño y solía interpretarla en la escuela. Cuando escribo guiones me pongo en el lugar de estos pequeños personajes y me apoyo mucho en la intuición. Existen técnicas para escribir comedia, como los malentendidos o la inversión de roles, pero son superficiales. Lo más importante es diseñar correctamente las motivaciones cómicas, las relaciones entre personajes y sus personalidades. Todas las comedias que he visto me han influido de forma inconsciente: las películas de Stephen Chow, el humor de Mr. Bean, los sketches de Chen Peisi o la película francesa La Grande Vadrouille.”
La película está llena de referencias a la mitología china y a Viaje al Oeste, pero visualmente también puede recordar a obras populares como Dragon Ball. ¿Cómo equilibra la tradición cultural china con referencias de la cultura popular global?
“No creo que ambas cosas entren en conflicto. Vi muchísima animación y cómics extranjeros durante mi infancia, incluido mi favorito, Dragon Ball. Pero a medida que uno crece, el poder de la cultura tradicional china se revela gradualmente. Las pinturas chinas que veía de niño en los museos o las estatuas budistas de los templos han permanecido dentro de mí. También la idea china de la familia y la manera en que nos relacionamos con la sociedad. Finalmente, todo eso despierta y se manifiesta en mi trabajo creativo. La búsqueda china de la benevolencia, la justicia, la sabiduría y la belleza puede convertirse en una base común compartida con la cultura popular global.”
Bajo la fantasía se esconde una historia sobre dificultades, trabajo y supervivencia cotidiana. ¿Hasta qué punto quería que el público viera reflejadas las preocupaciones de la gente común en estos personajes fantásticos?
“Yo mismo acuñé un término: realismo mitológico. La animación es un arte bastante alejado de la realidad, pero eso no significa que no pueda abordar temas realistas. Cuando animales y monstruos afrontan presiones, confusión y ansiedad cotidianas igual que los seres humanos, el resultado es interesante. Quiero que la película resuene con el público, y el realismo es la mejor forma de lograr esa conexión.”
En China, la película se convirtió en el largometraje de animación china en 2D más taquillero de la historia. ¿Le sorprendió ese éxito y cree que demuestra que el público chino busca otro tipo de películas de animación?
“Sí. Las películas chinas de animación 2D siempre han tenido un techo de taquilla difícil de superar. Esta vez aproximadamente duplicamos la referencia anterior. Pero creo que no se debe a que sea animación 2D, sino a que conectó con el público. Es una historia que les habla directamente. La animación 2D sigue teniendo muchas posibilidades y, en la era de la inteligencia artificial, el trabajo dibujado a mano se ha vuelto especialmente valioso.”
La animación china está cada vez más presente en festivales internacionales como Annecy. ¿Cree que está surgiendo una nueva generación de cineastas chinos con identidad propia?
“Sí. El desarrollo de la animación china en los últimos años ha sido constante. Ha habido altibajos, pero la tendencia general ha sido ascendente. Lo más importante es que han encontrado un camino creativo diferente al de la animación estadounidense y japonesa, y ha surgido un grupo de directores con características propias. Mientras sigan creando buenas obras, el reconocimiento internacional llegará de manera natural.”
Después de ver Nobody, uno tiene la impresión de que la simplicidad puede esconder una enorme sofisticación artística. ¿Cree que el público juzga a veces una película demasiado rápido por su estilo visual?
“A veces sí. Lo visual es la puerta de entrada para el espectador, como un amor a primera vista. Pero es la historia la que mantiene la relación a largo plazo. El estilo y los elementos visuales pueden captar la atención durante unos minutos, mientras que una buena historia y un buen tema mantienen al público involucrado hasta el final. Lo ideal es combinar ambas cosas.”
Nobody ha sido seleccionada para la Competición Oficial del Festival de Annecy. ¿Qué significa para usted presentar su trabajo allí y cómo espera que reaccione el público internacional?
“Es un gran honor para mí. Siempre soñé con que algún día una de mis obras fuera seleccionada en Annecy y ahora ese sueño se ha hecho realidad. Esto significa que la película puede ser acogida por espectadores de todo el mundo. Tengo mucha curiosidad por ver cómo reaccionará el público internacional. Quiero comprobar si los momentos que hacen reír o emocionan al público chino producen las mismas reacciones en otros espectadores. Creo que la humanidad enfrenta los mismos problemas y que nuestra búsqueda de la justicia, la bondad, la verdad y la paz es universal.”
Actualmente es profesor en la Escuela de Arte y Diseño de Nuevos Medios de la Universidad Beihang y también trabaja como director y guionista. ¿Cómo ha influido la experiencia académica en su trabajo creativo?
“Enseño guion y storyboard. Estudio constantemente nuevas películas y comparto mis hallazgos con los estudiantes, lo que alimenta mi propio trabajo creativo. Además, estoy rodeado de la generación más joven de China, que precisamente constituye la principal fuerza del público cinematográfico. Hablar con ellos sobre sus gustos, frustraciones e inquietudes resulta de enorme ayuda para mi proceso creativo. La educación en animación y el desarrollo de la industria mantienen una relación positiva y se enriquecen mutuamente.”
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